SITAC VI
Sexto Simposio Internacional de Teoría sobre Arte ontemporáneo
Programa 
Miércoles 23 de enero de 2008
Hotel Condesa df
Avenida Veracruz 102, colonia Condesa 6:00 pm | Cine (cupo sujeto a disponibilidad)
Territories de Isaac Julien
25 min, inglés, Gran Bretaña, 1984
“El primer trabajo de Isaac Julien fue un hito en el desarrollo de una estética
negra del cine independiente. En la primera parte incluye imágenes
de Carnaval, de la cultura negra de la diáspora en Gran Bretaña y de los
disturbios de Notting Hill Gate de 1976. La segunda parte mira el espacio
personal de una forma más poética, centrándose en la imagen de
una pareja gay negra.” Isaac Julien nació en Londres en 1960, ciudad en la que vive y trabaja. Al graduarse en
1984 de St Martins School of Art, donde estudió pintura y cine de arte, fundó Sankofa
Film and Video Collective, y fue miembro fundador de Normal Films en 1999. Julien fue
nominado al Turner Prize en 2001 por sus filmes Road to Mazatlan (1999) and Vagabondia
(2000), realizados en colaboración con Javier de Frutos.
A night of prophecies de Amar Kanwar
77 min, inglés, India, 2002
“Filmada en diversos territorios de la India (Maharashtra, Andhra Pradesh,
Nagaland, Kashmir), A Night of Prophecy muestra la música y la poesía de
la tragedia y de la protesta realizada por artistas regionales. Las fuentes
de la ira y el sufrimiento varían desde lo ineludible, la pobreza de las castas
hasta la pérdida de los seres queridos como resultado de las luchas
tribales y religiosas. La película es una impresionante mirada de los diferentes
grupos étnicos de la India y de la topografía de las montañas rurales
hasta los multitudinarios centros urbanos.”
Jueves 24 de enero de 2008
Centro Cultural Universitario Tlatelolco
Ricardo Flores Magón 1, Nonoalco-Tlatelolco
10:00 am | Apertura Clínicas
Las clínicas son 3 talleres limitados a 30 participantes cada uno. Su acceso
requiere inscripción previa y su duración es de 3 días consecutivos.
Sala 3
Introducción Guillermo Santamarina
Director del Museo Experimental El Eco, Ciudad de México
Guillermo Santamarina. Curador. Desde 1980 ha facilitado la experimentación artística
visual y su divulgación. Causante de más de un centenar de exposiciones, tanto
en México como en el extranjero. Regularmente imparte seminarios y talleres sobre
teoría y prácticas contemporáneas de expresión. Director de cuatro encuentros del
Foro Internacional sobre Teoría de arte contemporáneo (fitac) y miembro fundador
del comité rector del sitac. Desde agosto de 2005 es Director del Museo Experimental
El Eco, unam. Curador para el Museo El Laberinto de las Ciencias y el Arte en la ciudad
de San Luis Potosí (2008) y co-curador del Festival Radar 2008.
Sala 1
Clínica 1 | ¿Qué es lo que queda?
Interlocutor: Vangelis Vlahos, Atenas
Responsable: Andrea Ferreyra, artista y profesora, Ciudad de México
Enfoquemos la pregunta a lo que nos permite seguir experimentando con
lo que, en apariencia, ya se agotó. Los temas y su replanteamiento sólo
pasan de moda, dejan de ser visibles en la discusión, no en el terreno
práctico. No es que la apropiación, el tema de los derechos de autor y la
ilegalidad que suponen ya no nos conciernan ni interesen, es que ya se
habló de eso, ya pasó. “Antes quería cambiar el mundo, ahora sólo quiero
poder retirarme de una habitación con un poco de dignidad” (“Shortbus”,
John Cameron Mitchell, usa, 2006.) Tal vez lo que nos queda es la melancolía,
la ironía y el riesgo que supone la experimentación cuando es
necesaria una actividad que en sí misma proporciona algo peculiar y, de
un modo u otro, placentero. Se plantea una clínica enfocada a la búsqueda
de modos de acción en los que la colaboración y complicidad no sean
formas despectivas de describir viejos tiempos sino pautas necesarias y,
todavía, interesantes; ámbitos convergentes desde los que aún es posible
hacer.
Andrea Ferreyra. (1970. Licenciada en Artes Visuales (enap, unam, 1997). Maestría en
Artes Visuales e Intermedia (Universidad Politécnica de Valencia, 2003. Becada en cinco
ocasiones por el FONCA, tres para los estudios de postgrado (2000-03) y dos en el programa
Jóvenes Creadores (2000 y 2005). Ha colaborado como ponente en diversos
foros y publicaciones, realizado algunas curadurías y participado, como artista, en
muchas exposiciones y festivales.
Sala 2
Clínica 2 | Modelos de participación en la cultura;
plataformas independientes e institucionales
Interlocutores: Lee Weng Choy, curador y director artístico de Substation
Arts Center, Singapur y Carles Guerra, artista, curador y crítico, Barcelona
Responsable: Jorge Munguía, curador educativo, Museo Tamayo de Arte
Contemporáneo, Ciudad de México
Una mesa de discusión y trabajo sobre lo que aún nos queda por hacer
tanto en proyectos institucionales como en otros modelos alternativos
para participar en la generación de discurso crítico entorno a la cultura.
¿Cómo puede una institución ofrecer espacios discursivos para todo
público? ¿Cómo podemos pensar en otros modelos, a partir de diferentes
plataformas, para crear públicos y oportunidades para ahondar en temas
de relevancia en la cultura contemporánea? Conferencias, publicaciones,
mesas de discusión, programas públicos, formas de distribución y alcance,
materiales de referencia… Se invita a participar en la clínica a profesionales
del medio como practicantes culturales que se inician en el área
con propuestas desde instituciones o desde programas o plataformas
independientes. La clínica ofrece un espacio de reflexión crítica alrededor
de cómo participar en la cultura hoy.
Jorge Munguía. Licenciado en Arquitectura por la Universidad Iberoamericana, ciudad
de México y estudios de curaduría en St. Martin’s College, Londres. Formó parte del
Programa educativo de Documenta 12 en Alemania. Ha trabajado como asistente curatorial
de la exposición Mexico City: an exhibition about the exchange rate of bodies
and values en P.S.1, Nueva York y KunstWerke, Berlín. Ha participado en proyectos
para la bienal de Sao Paolo y Venecia así como ha sido parte del equipo curatorial para
el pabellón de México en la Trienal de Arquitectura y Urbanismo, Lisboa. Es parte del
equipo curatorial de la próxima exposición Vacíos urbanos en el Museo de la Ciudad
de México y el equipo organizador de PechaKucha D.F. —plataforma para presentar
trabajo de artistas, diseñadores, arquitectos—. Desde 2003 es curador educativo del
Museo Tamayo Arte Contemporáneo.
Sala 3
Clínica 3 | Reconsiderando “lo que queda”
Interlocutor: Gediminas & Nomeda Urbonas, Vilnius.
Responsable: Daniel Garza Usabiaga, profesor e investigador, Ciudad
de México
‘Lo que queda’ puede ser entendido en términos del pasado, como con lo
que ha acontecido pero sobrevive de alguna manera, como cuando un edificio
se vuelve ruina. Esta clínica está pensada para propuestas interesadas
en reflexionar y reconsiderar proyectos históricos, olvidados, inconclusos
o poco conocidos que puedan ser revalorizados desde la óptica del presente,
atendiendo a sus necesidades imperantes. La práctica es de rescate,
reconsideración y actualización de lo que ha pasado, de lo que queda. Se
busca que los proyectos a considerar y analizar provengan de distintos
campos: las artes plásticas, foto y cine, teoría crítica, arquitectura, urbanismo
y diseño, publicaciones y proyectos editoriales,museografía y estrategias
curatoriales. En resumen, la clínica girará alrededor de la pregunta
¿qué de lo que queda, entendido como el pasado, puede ser rescatado
para intentar superar problemáticas del presente?
Daniel Garza Usabiaga es Doctor en Historia y Teoría del Arte por la Universidad de Essex.
Actualmente realiza una residencia posdoctoral en el Instituto de Investigaciones
Estéticas (iie) de la Universidad Nacional Autónoma de México (unam). Es profesor en
la Facultad de Filosofía y Literatura de la unam y tutor del Programa de Posgraduados del
Centro de Estudios Críticos 17. Sus artículos han sido publicados en Apposite, Papers of
Surrealism y The British Journal of Photography, así como en la revista La Tempestad en
la que es miembro del Consejo Editorial y colaborador frecuente.
2:00-3:30 pm | Proyección de Cine
Cine abierto al público, acceso con el boleto de SITAC VI
Auditorio Alfonso García Robles
A Night of Prophecy de Amar Kanwar
77 min, inglés, India, 2002
“Filmada en diversos territorios de India (Maharashtra, Andhra Pradesh,
Nagaland, Kashmir), A Night of Prophecymuestra la música y la poesía de la
tragedia y la protesta realizada por artistas regionales. Las fuentes de
la ira y el sufrimiento varían desde lo ineludible, la pobreza de las castas
hasta la pérdida de los seres queridos como resultado de las luchas tribales
y religiosas. La película es una impresionante mirada de los diferentes
grupos étnicos de India y de la topografía de las montañas rurales
hasta los multitudinarios centros urbanos.”
4:00 pm | Inauguración y bienvenida al VI SITAC
Auditorio Alfonso García Robles
Introducción de Ute Meta Bauer, Directora de SITAC VI
Curadora independiente y Profesora/Directora del Programa de Artes
Visuales del mit, Cambridge Día 1 | ¿Qué es lo que queda?
Moderadora: Ute Meta Bauer
La sexta edición del sitac titulada Lo que nos queda/What’s left…what
remains? explora el papel de las instituciones y de los productores culturales
en un tiempo en el que desaparecen los espacios públicos y la
gestión pública se transfiere al sector privado. Mientras que el consumo
invalida a la crítica, la noción de institución desaparece. Ubicado en un
lugar cercano al sitio en el que ocurrió la matanza de Tlatelolco en 1968,
Lo que nos queda no sólo reflexiona sobre la expansión y los efectos del
neoliberalismo en el mundo, sino que intenta buscar ¿qué es lo que queda?
del movimiento estudiantil de 1968 y su impacto en la sociedad. ¿Qué es lo
que queda? de la noción gramsciana del artista como intelectual orgánico.
Ute Meta Bauer es profesora asociada y Directora del Programa de Artes Visuales en la
Escuela de Arquitectura y Planeación del mit. Educada como artista en la the Hochschule
für Bildende Künste de Hamburgo, desde hace 25 años ha trabajado como curadora
de exposiciones y presentaciones de arte contemporáneo, medios y arquitectura con un
enfoque hacia los discursos socio-políticos y formatos transdisciplinarios. Sus exposiciones
incluyen First Story-Women Building/New Narratives for the 21st Century”, comisionada
por la Capital Europea Oporto 2001 y Arquitectos del discurso para la Fundació Antoni
Tàpies en Barcelona. Entre 1999-2002 fue co-curadora de Documenta11 en el equipo de
Okwui Enwezor y fue Directora Artística de la Tercera Bienal de Arte Contemporáneo
de Berlín en 2004. Recientemente fue curadora de uno de los cinco escenarios de InSite
2005 San Diego (eua)-Tijuana (México). Bauer fue Directora Fundadora de la Oficina
Noruega (oca) para el Arte Contemporáneo de 2002 a 2005. Además es editora fundadora
de varias publicaciones periódicas de arte como META (Stuttgart), case (Barcelona,
Oporto) y Verkstedt (Oslo).
4:30-5:15 pm | David Harvey
Geógrafo y Teórico Social, Profesor Distinguido del Programa de Doctorado
en Antropología en CUNY, Nueva York
Conferencia magistral
¿Qué es lo que queda?
David Harvey es el teórico más importante en el campo de estudios urbanos de quien
el Library Journal ha dicho que es “uno de los geógrafos más influyentes de finales del
siglo xx.” Es Doctor por la Universidad de Cambridge, fue profesor de Geografía en
Johns Hopkins, obtuvo la Beca Miliband del London School of Economics y fue profesor
de Geografía Halford Mackinder en Oxford. Sus reflexiones sobre la importancia del
espacio y el lugar (y más recientemente de la naturaleza) han atraído una atención
considerable en el medio de las humanidades y las ciencias sociales. Entre sus libros
más influyentes destacan The New Imperialism; Paris, Capital of Modernity; Social Justice
and the City; Limits to Capital; The Urbanization of Capital; The Condition of Postmodernity;
Justice, Nature, and the Geography of Difference; Spaces of Hope; y Spaces of Capital: Towards a
Critical Geography. Entre los numerosos reconocimientos que ha recibido podemos mencionar
el Outstanding Contributor Award of the Association of American Geographers
y el 2002 Centenary Medal of the Royal Scottish Geographical Society “por su destacada
contribución al campo de la investigación geográfica y a la antropología.” Es miembro
honorario de las universidades de Buenos Aires, Roskilde de Dinamarca, Uppsala de
Suecia y Ohio State University.
5:15-5:30 pm | Debate con el público
5:30-5:45 pm | Receso
Panel I
5:45-6:15 pm | Yvonne P. Doderer
Profesora de Estudios de Género e Investigación Urbana, Universidad de
Ciencias Aplicadas, Düsseldorf Fragmentos para la cultura, las artes y los intelectuales en la era del
capitalismo desatado
La conferencia discutirá las preguntas “¿qué queda? ¿qué permanece?”,
enfocándose en la dimensión política de la cultura como memoria y en
las ambivalencias del arte y la producción artística en tiempos de un capitalismo feroz. Asimismo, se cuestionará la concepción de Gramsci del
intelectual orgánico desde un punto de vista feminista-materialista.
Yvonne P. Doderer es investigadora/arquitecta urbanista independiente, Profesora de
Gendermediadesign en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Düsseldorf y Jefa de la
“Oficina para la Investigación Transdisciplinaria y Producción Cultural. Licenciada en
Ingeniería para la Arquitectura y Planeación Urbana en la Universidad de Stuttgart, obtuvo
un doctorado con excelencia en la Facultad de Placeación Espacial de la Universidad
de Dortmund. Ha sido becaria en la Maison de Sciences de l’Homme en París y en la
Oficina de Arte Contemporáneo de Noruega. Además ha sido productora cultural
de exposiciones internacionales. Su principal área de investigación se enfoca en los
vínculos entre la teoría urbanística y el género. Es miembro del Women’s Research
Network nrw.
6:15-6:45 pm | Oliver Marchart
Profesor del Departamento de Sociología de la Universidad de Lucerna
Oliver
Marchart es profesor en el Departamento de Sociología de la Universidad de
Lucerna. Ha trabajado en el campo de la teoría política, estudios culturales y de medios
y en teoría del arte. Fue asesor de Documenta11 y su programa educativo, ha sido también
profesor en varias escuelas y niversidades. Ha publicado artículos en alemán así
como los libros Laclau: A Critical Reader, editado con Simon Critchley (Routledge 2004)
y Post-foundational Political Thought. Political Difference in Nancy, Lefort, Badiou and Laclau
(Edinburgh University Press 2007) que será traducido al español por el Fondo de Cultura
Económica en abril de 2008. 6:45-7:15 pm | Santiago García Navarro
Escritor, Buenos Aires
Vidas e instituciones. Tres historias Santiago García Navarro es profesor de literatura en la Universidad Católica de Argentina,
realizó estudios de filosofía y arte en la Universidad de Buenos Aires. Ha trabajado
como escritor especialista en arte en el periódico La Nación (1997-2001). Fue corresponsal
en Argentina para el Spanish Portal Art Center. Ha producido, entre otror proyectos,
la curaduría de U TUM, A Generation Photos (Galería Arte x Arte, Buenos Aires, 2000),
Debate Estético Contemporáneo, (Fundación Proa, Buenos Aires, 2000), ambos proyectos
en colaboración con Valeria González; y Paisajes privados, prisiones colectivas (Galería
Ruth Benzacar, Buenos Aires, 2002), asimismo, fue curador adjunto de Farsites: Urban
Crisis and Domestic Symptoms in Recent Contemporary Art, InSite, 2005 (Tijuana/San Diego).
7:15-7:30 pm | Debate con el público
Viernes 25 de enero
Centro Cultural Universitario Tlatelolco
Ricardo Flores Magón 1, Nonoalco-Tlatelolco
10:00 am | Clínicas (Simultáneas)
2:30-4:00 pm | Proyección de Cine
Cine abierto al público, acceso con el boleto de SITAC VI
Auditorio Alfonso García Robles
Territories de Isaac Julien
25 min, inglés, Gran Bretaña, 1984
“El primer trabajo de Isaac Julien fue un hito en el desarrollo de una estética
negra del cine independiente. En la primera parte incluye imágenes
de Carnaval, de la cultura negra de la diáspora en Gran Bretaña y de los
disturbios de Notting Hill Gate de 1976. La segunda parte mira el espacio
personal de una forma más poética, centrándose en la imagen de
una pareja gay negra.”
Extractos de The Shape, the Scent, the Feel of Things de Joan Jonas
(Inglés, usa, 2004-2005) y otras obras de la artista
En la hipnotizante instalación multimedia The Shape, the Scent, the Feel of
Things, Jonas revive sus memorias del Suroeste americano a través de
otra influencia —un ensayo del historiador del arte alemán Aby Warburg
(1866-1929), cuya visita al Suroeste americano configuró su influyente
visión del arte occidental.
Una de las más antiguas y reverenciadas tradiciones Hopi es la danza
de la serpiente, un intenso y mágico ritual realizado al final de una celebración
comunitaria de 16 días. Durante el rito, los sacerdotes danzan
con serpientes entre sus dientes, las cuales después son liberadas en la
naturaleza como mensajeras de la armonía Hopi con el mundo natural
y espiritual. En los años sesenta la artista, radicada en Nueva York, Joan
Jonas estaba profundamente influenciada por la danza de la serpiente y
otros rituales Hopi que conoció durante un viaje a Arizona.” Día 2 | ¿Qué ha quedado fuera?
Auditorio Alfonso García Robles
Moderador: Ery Camara
Curador del Museo Antiguo Colegio de San Ildefonso, Ciudad de México
¿Qué ha quedado fuera? explorará las obras de los actores y productores
culturales con un enfoque hacia lo que ha estado escondido, re-evaluando los
archivos, abriendo puertas y revelando lo que parece olvidado. ¿Qué ha quedado
fuera? cuestiona la “autoridad” de aquellos que escriben la historia y se
involucra en cómo la(s) historia(as) se puede contar de otra forma distinta.
Ery Camara es Licenciado en Restauración, Maestro en Museología, iplomado en
Artes Plásticas. Ha sido Asesor técnico del Museo Dolores Olmedo Patiño, Subdirector
de Museografía del Museo Nacional de Antropología, Subdirector del Museo Nacional de
Culturas Populares, Subdirector del Museo Nacional del Virreinato, en la actualidad es
curador del Antiguo Colegio de San Ildefonso. También ha sido profesor de asignaturas
en la División de Posgrado de la Maestría en Museos de la Universidad Iberoamericana.
Dentro de sus publicaciones encontramos The Language That We Share, Mirando al Xoloitzuintle,
África Hoy, Arte Animista, y Senegal nuestro país. Tradiciones culturales de las etnias.
Panel II
4:30-5:00 pm | Amar Kanwar
Artista y Cineasta independiente, Nueva Delhi
The Little Museum
Una presentación desde el subcontinente Indio sobre la imagen que descansa
entre el dolor y la resistencia. Las películas de Amar Kanwar son
complejas narrativas contemporáneas que conectan con esferas personales
íntimas de la existencia hacia procesos socio-políticos mayores.
Sus filmes vinculan leyendas y objetos rituales a nuevos símbolos y eventos
públicos, que alteran emocional e intelectualmente al espectador. Al
encontrar una relación de contexto con el público, la obra de Kanwar traza
un viaje de exploración que revela la relación con las políticas del poder,
la violencia, la sexualidad y la justicia. Kanwar recibió el premio Edvard
Munch de Arte Contemporáneo de Noruega, un Doctorado honorario en
Bellas Artes del Maine College of Art, eua, la Beca MacArthur en India, el
premio Golden Gate (Festival de Cine de San Francisco); la Concha de Oro
(Festival Internacional de Cine de Mumbai). El primer Premio (Festival
Internacional de Cine de Turín, Italia), el Gran prix en EnviroFilm, República
Eslovaca y el Árbol de Oro en el Primer Festival Nacional de Cine del Medio
Ambiente y Vida Salvaje Vatavaran en Nueva Delhi. Se programó una
retrospectiva de su trabajo en el Festival de Cortometraje de Dhaka en
2005. Sus películas se han proyectado tanto en pequeños festivales de cine
rurales, como en festivales internacionales y museos como el Museo de Arte
Moderno de Nueva York y el Museo Nacional de Oslo, Noruega. Participó
en Documenta11 (2002) y en Documenta 12 (2007), Kassel, Alemania.
5:00-5:30 pm | Joan Jonas
Artista, Nueva York, Profesora de Performance en el Programa de Artes
Visuales del mit, Cambridge
Joan Jonas es pionera del video arte y del performance, y una de las más importantes
artistas surgidas de fines de los sesenta y principios de los setenta. Comenzó su carrera en
Nueva York como escultora. En 1968 mudó su trabajo hacia lo que entonces era territorio
de vanguardia: mezclar el performance con el video, situados en ambientes
naturales y/o industriales. Entre 1972 y 1976 los video-performances de Jonas incluyeron
a un sólo actor, ella misma actuando en su loft de Nueva York como Organic
Honey , alter-ego inventado como una “seductora erótica electrónica”, cuyo rostro de
muñeca reflejaba la exploración de la cámara con la imagen femenina fragmentada
y de la mujer cambiando los roles. Mediante dibujos, disfraces, máscaras e interacciones
con la imagen grabada se lograban efectos relacionados ópticamente con una doble
percepción y significado.
Los performances de Jonas se realizaron a fines de los sesenta y durante los
setenta, por primera vez, para los artistas más importantes de su generación como
Richard Serra, Robert Smithson, Dan Graham y Laurie Anderson. Su obra es más
conocida en Europa que en Estados Unidos, país en el que el crítico Robert Crimp
escribió sobre su trabajo “la ruptura efectuada en las prácticas modernistas ha sido o
reprimida o bien suavizada. Sin embargo, al representar su obra temprana o la más
reciente, Jonás continúa encontrando nuevas capas de significado en temas y cuestiones
de género e identidad que han animado su obra durante treinta años.
5:30-5:45 pm | Debate con el público
5:45-6:15 pm | Receso
Panel III
6:15-6:45 pm | Srdjan Jovanovic Weiss, Arquitecto
y Katherine Carl, Curadora
Fundadores de nao (Normal Architecture Office) y de School of Missing
Studies, Filadelfia
La expedición Lost Highway
La expedición Lost Highway se llevó a cabo en agosto de 2006 a través de las
capitales emergentes de los Balcanes Occidentales. La expedición trazó una
ruta aproximada sobre la inconclusa “Carretera de la hermandad y unidad”
como era llamada durante la era de Yugoslavia, viajando por nueve
ciudades: Ljubljana, Zagreb, Novi Sad, Belgrado, Skopje, Prishtina, Tirana,
Podgorica, y Sarajevo. La expedición fue en busca de los aspectos positivos
de la Balcanización y exploró las distinciones emergentes de cada
nueva capital a lo largo del camino.Aunque el país que esta carretera intentaba
unificar no existe más, la infraestructura de la carretera permanece como un recuerdo significativo de los ideales de la participación voluntaria,
de la reconstrucción y de la conectividad. Durante la Expedición Lost
Highway participaron durante la ruta casi 300 arquitectos, artistas, y
curadores de Europa, de los Balcanes y de Norte y Sudamérica, organizados
en cada ciudad mediante actividades que variaron desde discusiones,
acciones públicas, visitas guiadas, visitas a archivos y picnics.
La Expedición Lost Highway navegó a través de las conexiones del arte
independiente y de los proyectos arquitectónicos de las capitales de los
Balcanes Occidentales, así como inició nuevos proyectos. La expedición
no arrastró un imperativo nostálgico, sino que procuró nuevas oportunidades
para la auto-organización, la participación voluntaria y la relación
entre las distintas —nuevas— ciudades. La expedición generó
producciones individuales y colectivas: proyectos artísticos e investigaciones
auto-gestionados, una exposición curada colectivamente y la producción
del libro Lost Highway Expedition Photobook. La conexión surgida
durante la expedición ha disparado un proyecto a largo plazo que reúna
un fondo común de conocimiento sobre la cultura contemporánea de los
Balcanes Occidentales que aspiran a un futuro en la unión Europea.
Srdjan Jovanovic Weiss es profesor en la Universidad de Pennsylvania y recientemente
colaboró con los arquitectos Herzog & de Meuron en Basel. Su libro Almost Architecture
publicado por Merz & Solitude y kuda.nao dirige un vis-à-vis con los procesos democráticos
emergentes. Actualmente está renovando la Slought Foundation en Filadelfia y
está en el proceso de diseño de Stadium Culture en colaboración con kuda.org media
centre en Novi Sad para conservar los espacios públicos planeados por los socialistas
y transformarlos en centros culturales para los jóvenes. Sus proyectos más recientes
incluyen East Coast Europe (2007-08, libro de próxima aparición), Yona Friedman: About
Cities (2007) en el Drawing Center, la conferencia Evasions of Power en la Universidad
de Pennsylvania y Slought Foundation (2007, libro de próxima aparición), Lost Highway
Expedition (2006) y el resultado de Lost Highway Expedition Photobook (2007).
Jovanovic
Weiss es candidato al Doctorado en el Goldsmiths College, Londres con la investigación
sobre los aspectos positivos de la balcanización. www.thenao.net
Katherine Karl es historiadora de arte y curadora. Actualmente está escribiendo su
tesis de Doctorado en Arte Conceptual en Ex Yugoslavia de los sesenta y setenta para
el departamento de Historia y Crítica del Arte de la Universidad Estatal de Nueva York,
Stony Brook, actualmente tiene una beca del American Council of Learned Societies.
De 2005 a 2006 fue curadora de exposiciones contemporáneas en el Drawing Center,
donde había trabajado como curadora asistente. Anteriormente trabajó en Dia Art
Foundation (1999-2003), ArtsLink (1996-1997) y National Endowment for the Arts
(1991-1995). Carl ha sido profesora de historia del arte y de cultura contemporánea en
la Universidad de Nueva York (2002-03). Fue curadora de Flipside: ArtsLink en Artists
Space (2004) y go_HOME (2001). Sus proyectos más recientes incluyen East Coast Europe
(2007-08, libro de próxima aparición), Yona Ffriedman: About Cities (2007) en el Drawing
Center, la conferencia Evasions of Power en la Universidad de Pennsylvania y Slought
Foundation, libro de próxima aparición), Lost Highway Expedition (2006) y el resultado
de Lost Highway Expedition Photobook (2007).
6:45-7:15 pm | Vangelis Vlahos
Artista, Atenas
1981 (Allagi)
1981 (Allagi) es un proyecto sobre archivos que intenta examinar un periodo
específico de transición política y social en Grecia. 1981 (Allagi) se basa
en el archivo del periódico Eleftheros Kosmos (Mundo libre), la voz oficial
del régimen militar (1967-1974), encontrado en un mercado de pulgas de
Atenas en 2006. Las fotografías incluidas en el proyecto 1981 (Allagi),
abarcan un periodo de nueve meses, de octubre de 1981 a junio de 1982,
se presentan de forma contínua y en absoluto orden cronológico, sin otro
criterio para su selección, mostrando eventos actuales de contenido social
y político, así como imágenes de la vida diaria. El proyecto busca un acercamiento
a la multifacética noción de cambio (Allagi) y examina el impacto
social de este concepto hoy en día. “Allagi” (cambio) fue promovido en la
retórica del periodo de gobierno del partido socialista —que entró al
poder en 1981, siete años después de la caída de la Junta— y que se relacionaba
con la re-estructuración socio-política y sus transformaciones.
Un periodo que social y políticamente ha sido visto como el fin de la
“Metapolifesti” en Grecia (metapolifesti es una palabra griega que describe
el periodo de transición tras la Junta en Grecia). El punto de interés es la
construcción de un archivo como método de una comprensión personal
de la historia.
Vangelis Vlahos nació en Atenas, Grecia en 1971, ciudad en la que vive y trabaja.
Sus exposiciones individuales más importantes son: 2007: Structures of Influence, The
Borgovico 33, Como, Italia; “1992”, The Breeder, Atenas; 2004: display galerie, Praga;
(con Hito Steyerl), Els Hanappe Underground, Athenas. Entre las exposiciones colectivas
en las que ha participado destacan: 2007: In Present Tense, National Museum of
Contemporary Art, Atenas, Grecia; Monument to transformation-fragment #4, INDEX
Foundation, Estocolmo, Suecia; Der Prozess, 3rd Prague Biennale, República Checa; “A Number
of Worlds Resembling Our Own”, SMART Project Space, Amsterdam, Países Bajos; 2006:
27th Sao Paulo Biennale; 2005: Behind Closed Doors, Dundee Centre for Contemporary
Arts, Dundee, Escocia; 2004: Manifesta 5, San Sebastián, España y 3rd berlin biennial for
contemporary art, Berlín.
7:15-7:45 pm | Carla Fernández
Fundadora de FLORA, Diseñadora de modas, Ciudad de México
FLORA, es un taller/laboratorio de moda ambulante que viaja por México visitando
comunidades indígenas y mujeres que crean textiles hechos a mano. FLORA ha desarrollado
un método pedagógico único en el que los participantes del taller se comunican
a través del diseño. 7:45-8:15 pm | Debate con el público
Sábado 26 de enero
Centro Cultural Universitario Tlatelolco
Ricardo Flores Magón 1, Nonoalco-Tlatelolco
Día 3 | ¿Qué queda por hacer?
Auditorio Alfonso García Robles
Moderador: Osvaldo Sánchez
Director del Museo de Arte Moderno, Ciudad de México
En una era de mercados (de arte) globales, la competencia de financiamiento
entre lo privado-establecido y las instituciones públicas de arte, tiene
un impacto crucial en la forma en la que operan las instituciones. Este
desarrollo influye en la producción de la obra de arte y en lo que es
coleccionado por quién y para quién. Pero, ¿Cuáles son los mandatos de
los actores/productores actuales? ¿Qué papel juegan las instituciones
artísticas públicas? ¿A qué voz e historia(s) representan? ¿Qué queda por
hacer? Se sugiere la reconstitución de un espacio para la crítica política
y el discurso público.
Osvaldo Sánchez es curador y crítico de arte. Director del IV y V Foro Internacional de
Teoría sobre Arte Contemporáneo (1995-1996) fitac, en Guadalajara, México. Director
del Museo de arte Carrillo Gil y del Museo de arte contemporáneo internacional
Rufino Tamayo en la ciudad de México. Ha sido columnista de arte del Periódico
Reforma en México D.F., además ha publicado numerosos artículos y ensayos sobre
arte mexicano y latinoamericano en publicaciones especializadas. Ha sido profesor
invitado en maestría en el Departamento de Arte de la Universidad Iberoamericana
de México. Fue co-curador del proyecto internacional de arte público InSite 2000-01,
en Tijuana-San Diego y Director artistico de dicho proyecto para la edición del 2005.
Actualmente es Director del Museo de Arte Moderno, en la ciudad de México.
0:00-10:45 am | Conferencia Magistral: John Beverley
Autor y profesor de Literatura Latinoamericana, Universidad de Pittsburgh
Conferencia magistral
El turno neo-conservador de la crítica Latinoamericana
Estamos presenciando un “giro” neoconservador en la critica cultural
latinoamericana actual, proveniente, de manera paradójica, de ciertos
sectores de lo que fue tradicionalmente la “izquierda” y en nombre de una
defensa del “valor estético”. Este giro recuerda fuertemente el caso del
giro neoconservador en los Estados Unidos en los setenta, nacido desde
la crítica del arte moderno. Se argumenta que el caso latinoamericano es
un reflejo súper-estructural de los efectos de la globalización y los nuevos
movimientos sociales sobre la intelectualidad literaria-artística en América
Latina, procurando re-territorializar una forma de autoridad “cultural” que fue erosionada por la hegemonía del neoliberalismo, a expensas de
hacer causa común con nuevos sujetos políticos subalterno-populares
emergentes. En vez de buscar una especie de “frente unido” entre el mundo
del arte y las luchas populares se llega a contraponer de esta manera la
estética vanguardista y la política populista, el artista y el sujeto popular.
John Beverley es profesor de Literatura Latinoamericana y Estudios Culturales de la
Universidad de Pittsburgh. De 1992 a 2002 fue coordinador del grupo de estudios
Latinoamericanos Subalternos. Sus publicaciones más recientes son: Subalternity and
Representation (1999; versión en español de 2005); Testimonio: On the Politics of Truth (2004);
y Hacia un nuevo latinoamericanismo (próxima aparición en 2008). Es co-editor de la serie
Illuminations: Cultural Formations of the Americas de University of Pittsburgh Press
10:45-11:00 am | Debate con el público
Panel IV
11:00-11:30 am | Carles Guerra
Artista, curador y crítico, Barcelona
Las formas de participación con las que soñamos
Ya no decidimos si somos participantes o no. La condición bio-política de
la producción cultural nos hace sentir como una audiencia cautiva.
Participamos, nos guste o no. Así que estas son mis preguntas: ¿Cómo
podemos hacer la diferencia? ¿Debemos resistir a las formas actuales
de participación que se nos ofrecen a través de las instituciones culturales?
Si no, ¿Estamos llamando a un agente que destruirá finalmente a las instituciones
culturales?
Carles Guerra es profesor asociado de Arte Contemporáneo en la Universitat Pompeu
Fabra, Barcelona. Artista y crítico cuyo trabajo investiga los aspectos dialógicos de la
cultura visual. Ha sido curador de Art & Language in Practice (Fundació Antoni Tàpies,
1999); Dis-exhibit. Una retrospectiva de Perejaume (macba, 1999); After the News. Postmedia
Documentary Practices (cccb, 2003); The Invisible Insurrection of One Million Minds (Rekalde,
2005); Situation Cinema. Una retrospectiva del cine de Joaquín Jordá además de (macba
y fid. Marsella, 2006); y B Zone. On the Margins of Europe (Fundació Antoni Tàpies, 2007).
Actualmente prepara una retrospectiva del cine de Peter Weiss, además de This is not
an exhibition, un proyecto de arte educativo. Ha organizado varios simposios: Cultura
Visual, Políticas de Reconocimiento y Educación (1999); Fòrum Quam-00, dedicado a las nuevas
formas de producción en el arte contemporáneo (2000) y estado de Excepción 1972-2004
(2004), una serie de presentaciones en las que se discutían las prácticas estéticas como
modelos para nuevas formas de trabajo. Es autor de una entrevista en video con Antonio
Negri, N de Negri (2000) y editó la traducción al español de Art & Language’s Writings
(2007). Es miembro del consejo editorial de Cultura/s-La Vanguardia.
11:30-12:00 pm | Gediminas and Nomeda Urbonas
Artistas, Vilnius
Pro-test Lab
En 2005, la pareja de artistas comenzó una acción para salvar el cine
Lietuva, una importante obra de la arquitectura comunitaria de Vilnius
bajo el patrocinio de la exposición Populism. El proyecto, llamado Pro-test
Lab, se presentó en la 6th Gwangju Art Biennial de Corea (2006) y ganó el
premio “The Korea Foundation Prize for the Best International
Contribution.” En 2007, El Archivo Pro-test Lab se exhibió en la Segunda
Bienal de Moscú, y en el mismo año en la Bienal de Venecia como parte
del proyecto Villa Lituania, por la que los artistas recibieron la Mención
Honorífica del Pabellón Lituano.
Nomeda & Gediminas Urbonas son artistas radicados en Vilnius, Lituania que estudian
la transformación de una sociedad que atraviesa un periodo transitorio de cambios.
Desde 1993 han desarrollado un programa de arte interdisciplinario —un modelo
para la práctica artística y social con el interés de diseñar estructuras organizativas
que cuestionan lo relativo de la libertad. Su metodología abarca desde la investigación
en archivos hasta la construcción para obras complejas como sitios de producción, que
generalmente desafían a los medios y a veces a la política. Sus proyectos artísticos
aluden al medio ambiente, a la herencia cultural del pasado soviético defendiendo el
espacio público amenazado por la privatización. Hacen uso de la plataforma artística
para conquistar espacios públicos para la interacción y el compromiso con grupos
sociales, convocando a las comunidades locales y animando su imaginación cultural
y política. Urbonas ha exhibido su obra en Documenta11 en Kassel, Manifesta 4 en
Frankfurt, la Tercera Bienal de Arte Contemporáneo de Berlín y la Novena de Lyon, entre
otras exposiciones internacionales.
12:00-12:30 pm | Debate con el público
12:30-12:45 pm | Receso
Panel V
12:45-1:15 pm | Gabriela Rangel
Directora de Artes Visuales de la Americas Society, Nueva York
Gabriela Rangel Estudió Derecho y Comunicación Social en la Universidad Católica
Andrés Bello de Caracas, y Dirección de cine en la Escuela Internacional de Cine y TV
de San Antonio de los Baños, Cuba. Obtuvo una maestría en Estudios curatoriales en
arte contemporáneo en el Center for Curatorial Studies de Bard College, Nueva York.
Se ha desempeñado como investigadora y curadora de arte contemporáneo en el Museo
Alejandro Otero de Caracas. Fue curadora asistente de Arte Latinoamericano en el
Museum of Fine Arts de Houston. Ha colaborado en las revistas TRANS (New York), Art Nexus (Miami) y El Puente (Caracas). Ha escrito ensayos críticos en catálogos de Miguel
Ángel Ríos, Teresa Serrano, Javier Téllez, Liliana Porter, Adriana Arenas y Ana Tiscornia,
entre otros. Actualmente dirige el Departamento de Artes Visuales de Americas Society
en Nueva York y es miembro del Art Forum del Rockefeller Center for Latin American
Studies de la Universidad de Harvard.
1:15-1:45 am | Lee Weng Choy
Curador y Director artístico de Substation Arts Center, Singapur
Crisis y convocatoria: o, ¿Qué es lo que queremos de las conferencias
de arte?
En julio de 2006, presenté una ponencia en el simposio de la Bienal de
Sydney en el panel titulado “Reconstrucción y performance”. La misma
presentación fue una especie de reconstrucción —un reflejo en un taller y
foro público que convoqué en Kuala Lumpur un mes antes. “Interruptores
de pánico: Crisis, Performance, Derechos” fue convocada para discutir los
pasos prácticos que pudieran tomar los artistas, activistas e intelectuales
del Sureste de Asia para prepararse mejor ante las crisis que surgen
periódicamente a causa de las controversias en el arte y la cultura.
La sesión de “Interruptores de pánico” tuvo un tópico “Ritos y
reflexión”. Por “ritos”, me referí a las acciones y mecanismos que son
ritualizados e institucionalizados. Los ritos mantienen o sustentan el
status quo, pero necesitan intencionalmente no ser conservadores. Los
ritos se refieren también, por ejemplo, a la universidad como una institución
con valores liberales. Nosotros, los convocados al evento de Kuala
Lumpur, sostuvimos que la responsabilidad del intelectual es intentar
hacer algo que vaya más allá de los “ritos”; el término “reflexión” significa
la posibilidad del activismo intelectual - la tarea y el agente de la imaginación
crítica.
Lee Weng Choy es co-director artístico de Substation Arts Centre, y profesor huésped en
el Departamento de Estudios sobre Religión y Estudios Culturales en la Universidad
China de Hong Kong. Ha dictado conferencias sobre Teoría del Arte y Estudios Culturales
en LaSalle College of the Arts de Singapur la Academia de Bellas Artes de Nanyang y el
Politécnico de Temasek. Lee Weng Choy ha organizado seminarios internacionales
sobre teoría de arte y ha sido curador de numerosas exposiciones. Ha escrito varios
artículos sobre arte contemporáneo de Singapur. 1:45-2:15 pm | Debate con el público
A partir del lunes 28 de enero
Exposición
Schweiz über alles
La Colección Jumex: Nuevas adquisiciones
Curaduría de Michel Blancsubé
Fundación/Colección Jumex
Entrada gratuita con cita previa
Vía Morelos 272, Colonia Santa María Tulpetlac,
Ecatepec, Estado de México CP 55400
T 5775 8188
La exposición permanecerá abierta hasta el 1 de abril
Wednesday, January 23rd, 2008
Condesa df Hotel
Avenida Veracruz 102, colonia Condesa
6:00 pm | Evening Screenings (limited seats) Territories by Isaac Julien
25 min, English, uk, 1984
“Isaac Julien’s first work, was a milestone in the development of a black
independent film aesthetic. Part One considers images of Carnival,
Black Diaspora culture in Britain and the 1976 Notting Hill Gate riots.
Part Two looks in a more poetic manner at personal space, centering on
the image of a black gay couple.”
Isaac Julien was born in 1960 in London, where he currently lives and works. On graduating
from St Martins School of Art in 1984, where he studied painting and fine art
film, Isaac Julien founded Sankofa Film and Video Collective, and was a founder member
of Normal Films in 1999. Julien was nominated for the Turner Prize in 2001 or his
films The Long Road to Mazatlan (1999) and Vagabondia (2000), made in collaboration
with Javier de Frutos. A Night of Prophecy by Amar Kanwar
77 min, English, India, 2002
“Filmed in several diverse territories of India (Maharashtra,Andhra Pradesh,
Nagaland, Kashmir), A Night of Prophecy features the music and poetry of
tragedy and protest performed by regional artists. The sources of anger
and sorrow vary from inescapable, caste-bound poverty to the loss of loved
ones as a result of tribal and religious fighting. The footage is a stunning
glimpse of India’s diverse ethnic groups and topography from the rural
mountains to its crowded urban centers.”
Thursday, January 24th, 2008
Centro Cultural Universitario Tlatelolco
Ricardo Flores Magón 1, Nonoalco-Tlatelolco
10:00 am | Opening of the Clinics
The Clinics are three closed workshops each limited to 30 participants,
and will take place over three consecutive days.
Sala 3
Introduction by Guillermo Santamarina, Director Clinics SITAC VI.
Director Museo Experimental El Eco, Mexico City
Guillermo Santamarina is a Curator, who since 1980 has facilitated visual artistic experimentation
and it’s spreading throughout more than hundred of exhibitions in Mexico and
abroad. Regularly he gives seminars on theory and contemporary artistic practices.
He has been Director of encounters of the International Forum on Contemporary Art
Theory (fitac), and is member of the sitac advisory committee. Since August 2005 he
is the Director of the Museo Experimental El Eco, unam, in México City. Curator for the
Museo El Laberitno de las Ciencias y el Arte, San Luis Potosí, México (2008) and Co-
Curator for the Festival Radar, 2008.
Sala 1
Clinic 1 | What is left?
Interlocutor: Vangelis Vlahos, Artist, Athens
Discussion leader: Andrea Ferreyra, Artist, Professor, Mexico City
The focus of this discussion is precisely what allows us to keep experimenting
with that which is apparently exhausted. Thematic concepts,
and their reappraisal, go out of fashion or cease to be visible only in
debate, not in the domain of praxis. It is not that appropriation, the notion
of copyrights and the illegality that they imply, are no longer a concern or
of interest to us. But those things have already been discussed—they are
from the past. ‘Before I wanted to change the world; today I just want to
leave the room with some dignity.’ Perhaps what’s left is melancholy, irony
and the risks implied in experimentation when activity becomes necessary,
activity that in itself produces something peculiar—and in one way
or another, something pleasurable. The proposed workshop focuses on the
search for modes of action where collaboration and complicity are not
seen as derogatory forms describing old times, but as necessary and still
interesting steps; converging environments where practice can evolve.
Andrea Ferreyra received her BA in Visual Arts by the enap/unam, 1997 and her MA
in Visual and Intermedia Arts by the Polytechnic University of Valencia, 2003. Ferreyra
is a FONCA grant recipient, three times for her postgraduate studies (2000-03), and
twice for the young creator program (2000 and 2005). She has presented at numerous
conferences and collaborated on numerous publications. She also curated exhibitions
and participates, as an artist, in festivals and exhibitions. She has taught for ten years,
the last four teaching art and research methods at the Universidad Iberoamericana’s
communications department.
Sala 2
Clinic 2 | Models for Participating in Culture;
Independent and Institutional Platforms
Interlocuters: Lee Weng Choy, Curator and Artistic Director of Substation
Arts Center, Singapore. Carles Guerra, Artist and Curator, Critic, Barcelona
Discussion Leader: Jorge Munguía, Education Curator, Museo Tamayo de
Arte Contemporáneo, Mexico City
Clinic 2 is a discussion and workshop around “what’s left” to do with regard
to institutional and alternative projects in order to participate in the
generation of critical discourse about culture. How can institutions offer
discursive spaces for all audiences? What other models can we devise,
using different platforms, to create audiences as well as opportunities to
“deep dive” into contemporary culture’s relevant themes? Conferences,
publications, round-tables, public programs, distribution and outreach
media, reference materials… Professionals and starting cultural practitioners
are invited to participate with proposals that are institution-,
program- or independent-platform-based. The workshop offers a space
for critical reflection regarding how to participate in culture today.
Jorge Munguía Matute has a BA in architecture from México City’s Iberoamericana
University and has completed his curatorial studies in St. Martin’s College, London. He
participated in the Documenta11 Educational Program in Germany. He worked as assistant
curator on México City: An exhibition about the exchange rate of bodies and values at
P.S.1, New York and KW Institute for Contemporary Art, Berlin. He collaborated on projects
for the São Paulo and Venice biennials and was part of the curatorial team at the
Lisbon architecture and urbanism triennial’s México pavilion. He is also on the curatorial
team for the next Vacíos Urbanos (“urban voids”) exhibition at the Museo de la Ciudad
de México and the organizing team for Pechakucha D.F., a platform for the presentation
of artists, designers, architects (…). Since 2003 he has been educational curator at
the Museo Tamayo de Arte Contemporáneo in Mexico City.
Sala 3
Clinic 3 | Reconsidering What’s Left…
Interlocuters: Gediminas & Nomeda Urbonas, Artists, Vilnius
Discussion leader: Daniel Garza Usabiaga, Professor/Researcher, Mexico
City
What’s left can be understood in terms of the past—as well as with what
has taken place, and yet, somehow survives; as when a building becomes
a ruin. This workshop has been conceived for proposals that seek to think
about and reconsider historical, forgotten, unfinished, or little-known
projects that can be re-valued from the perspective of the present, in accordance
with its most prevailing demands. The technique is one of rescue,
reconsideration and updating of what has happened, of what is left. The
goal is that projects to be considered and analyzed should come from
different fields: the plastic arts, photography and cinema, critical theory,
architecture, urbanism and design, periodicals and editorial projects,
museum and curatorial strategies. In short, this workshop will revolve
around this question: What of what is left, understood as the past, can
be rescued in order to overcome the problematic situations of today?
Daniel Garza Usabiaga received his PhD from the Department of Art History and Theory
at the University of Essex. Currently he holds a postdoctoral residency at the Institute
of Research in Aesthetics (iie) at the National Autonomous University of México (unam).
He teaches in the Philosophy and Literature Department at the unam, and is an instructor
in the postgraduate program at the Centre for Critical Studies 17. His works has
been published in Apposite, Papers of Surrealism, and the British Journal of Photography as well
as in the Magazine La Tempestad, on which editorial board he also serves.
2:00-3:30 pm | Public Screenings
Free access with the SITAC VI ticket
Auditorio Alfonso García Robles
A Night of Prophecy by Amar Kanwar
77 min, English, India, 2002
“Filmed in several diverse territories of India (Maharashtra, Andhra
Pradesh, Nagaland, Kashmir), A Night of Prophecy features the music and
poetry of tragedy and protest performed by regional artists. The sources
of anger and sorrow vary from inescapable, caste-bound poverty to the
loss of loved ones as a result of tribal and religious fighting. The footage
is a stunning glimpse of India’s diverse ethnic groups and topography
from the rural mountains to its crowded urban centers.”
4:00 pm | Opening and Welcome to SITAC VI
Auditorio Alfonso García Robles
Introduction by Ute Meta Bauer, Director of SITAC VI.
Freelance Curator and Professor/Director of the mit Visual Arts Program,
Cambridge
Day 1 | What’s left?
Moderation: Ute Meta Bauer The sixth edition of sitac titled Lo que nos queda/What’s left…What
remains? explores the role of cultural institutions and cultural producers
in a time where public spaces disappear, and public mandates getting
transferred to the private sector. While consumption is overruling criticality,
the notion of agency vanishes. Situated next to the place where
the Tlatelolco Massacre took place in 1968, What is left? not only questions
how Neoliberalism affects cultures all over the globe, but also asks what’s
left of the 1968 Student Movement and its impact on society. And what’s left?
of the Gramscian notion of the artist as organic intellectual.
Ute Meta Bauer is Associate Professor and Director of the Visual Arts Program in the
School of Architecture and Planning at mit. Educated as an artist at the Hochschule
für Bildende Künste Hamburg, she has been working as a curator for exhibitions and
presentations on contemporary art, media and architecture with a focus on sociopolitical
discourses and transdisciplinary formats since 25 years. Her shows include
First Story-Women Building/New Narratives for the 21st Century commissioned for the
European Cultural Capital Porto 2001 and Architectures of Discourse for the Fundació
Antoni Tàpies in Barcelona. Between 1999-2002 she was co-curator of Documenta11 in
the team of Okwui Enwezor, and has been the artistic director of the 3rd berlin biennial
for contemporary art in 2004. Most recently she curated one of five scenarios for
InSite 2005 San Diego (usa)/Tijuana (MEX). Bauer has been the founding director of
the Office For Contemporary Art Norway (oca) from 2002 to 2005. Furthermore she
was editor of several art periodicals such as META (Stuttgart), case (Barcelona, Porto)
and Verkstedt (Oslo).
4:30-5:15 pm | David Harvey
Geographer and Social Theorist,Distinguished Professor in the PhD Program
in Anthropology at CUNY, New York
Keynote
“What Is Left?”
David Harvey is a leading theorist in the field of urban studies whom Library Journal
called “one of the most influential geographers of the later twentieth century.” He
earned his Ph.D. from Cambridge University, was formerly Professor of Geography at
Johns Hopkins, a Miliband Fellow at the London School of Economics, and Halford
Mackinder Professor of Geography at Oxford. His reflections on the importance of
space and place (and more recently “nature”) have attracted considerable attention
across the humanities and social sciences. His highly influential books include The
New Imperialism; Paris, Capital of Modernity; Social Justice and the City; Limits to Capital;
The Urbanization of Capital; The Condition of Postmodernity; Justice, Nature, and the Geography
of Difference; Spaces of Hope; and Spaces of Capital: Towards a Critical Geography. His numerous
awards include the Outstanding Contributor Award of the Association of American
Geographers and the 2002 Centenary Medal of the Royal Scottish Geographical Society for
his “outstanding contribution to the field of geographical enquiry and to anthropology.”
He holds honorary degrees from the universities of Buenos Aires, Roskilde in Denmark,
Uppsala in Sweden, and Ohio State University.
5:15-5:30 pm | Q+A 5:30-5:45 pm | Coffee break
Panel I
5:45-6:15 pm | Yvonne P. Doderer
Gender Studies and Urban Research, University of Applied Sciences,
Düsseldorf
Fragments to Culture, Arts and Intellectuals in the Era of the Unleashed Capitalism
This lecture will discuss the questions "What's left? What remains?" by
focusing on the political dimension of culture as memory and on the
ambivalences of art and artistic production in times of an unleashed
capitalism. Furthermore, Gramsci's conception of the organic
intellectual will be challenged by approaching from a feminist-materialist
background.
Friday, January 25th 2008
Centro Cultural Universitario Tlatelolco
Ricardo Flores Magón 1, Nonoalco-Tlatelolco
10:00 am | Clinics (Simultaneous)
2:30-4:00 pm | Public Screenings
Free access with the SITAC VI ticket
Auditorio Alfonso García Robles
Territories by Isaac Julien
25 min, English, uk, 1984
Isaac Julien’s first work, was a milestone in the development of a black
independent film aesthetic. Part One considers images of Carnival,
Black Diaspora culture in Britain and the 1976 Notting Hill Gate riots.
Part Two looks in a more poetic manner at personal space, centering on
the image of a black gay couple.”
Excerpts of the The Shape, the Scent, the Feel of Things by Joan Jonas,
(English, usa, 2004-2005) and other works by the artist.
“In her mesmerizing multimedia installation The Shape, the Scent, the Feel of
Things, Jonas revisits these deeply embedded memories of the American
Southwest through yet another influence—an essay she had recently
read by the German art historian Aby Warburg (1866-1929), whose own
nineteenth-century visit to the American Southwest shaped his influential
view of Western art. One of the most ancient and revered of Hopi traditions
is the snake dance, an intense and magical ritual performed at the
close of a sixteen-day community celebration. During the rite, priests
dance with snakes in their teeth, after which the snakes are released
back into nature as messengers of Hopi harmony with the spiritual and
natural worlds. In the 1960s, the young New York-based artist Joan Jonas
was deeply influenced by the snake dance and other Hopi rituals she
saw during a journey to Arizona.” Day 2 | What’s left out?
Auditorio Alfonso García Robles
Moderation: Ery Camara
Curator, Museo Antiguo Colegio de San Ildefonso, Mexico City
What’s left out? focuses on investigations by cultural “acteurs” and producers
shedding light on what have been hidden as well as, re-evaluating
archives, opening closed doors and un-wrapping what seems forgotten.
What’s left out? questions the “authority” of those writing history and
engages in how history(ies) can be told differently.
Ery Camara graduated in Restoration has a Master in Museology and a Diploma in
Visual Arts. He has been Advisor for the Museo Dolores Olmedo Patiño, Museography
Assistant Director for The National Museum of Anthopology, Assistant Director for
The National Museum of Popular Cultures, Assistant Director for The Museo Nacional
del Virreinato. He is currently curator at The Antiguo Colegio de San Ildefonso. He has
also been professor at the postgraduate division of the Master Degrees in Museums in
the Universidad Iberoamericana and a member of the Advisory Committee of sitac.
His publications include The Language that We Share; Mirando al Xoloitzuintle; África Hoy;
Arte Animista; and Senegal nuestro país Tradiciones culturales de las etnias.
Panel II
4:30-5:00 pm | Amar Kanwar
Artist and Independent Filmmaker, New Delhi
The Little Museum
A presentation from the Indian subcontinent about the image that lies
between sorrow and resistance. Emerging from the Indian sub continent,
Amar Kanwar’s films are complex, contemporary narratives that connect
intimate personal spheres of existence to larger social political
processes. The films link legends and ritual objects to new symbols and
public events, which trigger emotional and intellectual disturbances in
the viewer. Finding a contextual relationship with diverse audiences,
Kanwar’s work maps a journey of exploration revealing our relationship
with the politics of power, violence, sexuality and justice.
Amar Kanwar is the recipient of the 1st Edvard Munch Award for Contemporary Art from
Norway, an Honorary Doctorate in Fine Arts, Maine College of Art, usa, the MacArthur
Fellowship in India, the Golden Gate Award (San Francisco International Film Festival);
Golden Conch (Mumbai International Film Festival); The First Prize (Torino International
Film Festival, Italy); Jury’s Award (Film South Asia, Nepal), Grand Prix at EnviroFilm, Slovak
Republic and the Golden Tree at the 1st National Environment and Wildlife Film Festival
Vatavaran, Delhi. A retrospective of his films was held at the Dhaka International Short
Film Festival in 2005. His films have been screened in small rural film festivals as well as
international film festivals and museums like the Museum of Modern Art, New York
and the National Museum in Oslo, Norway. He participated in Documenta11 (2002) and
Documenta 12 (2007), Kassel, Germany.
5:00-5:30 | Joan Jonas
Artist, NYC and Professor of Performance at the mit Visual Arts Program,
Cambridge
Joan Jonas is a pioneer of video and performance art and one of the most important
female artists to emerge in the late 1960’s and early 1970’s. She began her career in
New York City as a sculptor. By 1968 she moved into what was then leading edge territory:
mixing performance with props and mediated images, situated outside in natural
and/or industrial environments. Jonas’ works were first performed in the 1960s
and 70s for some of the most influential artists of her generation, including Richard
Serra, Robert Smithson, Dan Graham and Laurie Anderson. While she is widely known
in Europe, her groundbreaking performances are lesser known in the United States,
where as critic Douglas Crimp wrote of her work in 1983, “the rupture that is effected
in modernist practices has subsequently been repressed, smoothed over.”Yet, in restaging
early and recent works, Jonas continues to find new layers of meanings in themes and
questions of gender and identity that have fueled her art for over thirty years.
5:30-5:45 pm | Q+A
5:45-6:15 pm | Coffee break
Panel III
6:15-6:45 pm | Srdjan Jovanovic Weiss, Architect
and Katherine Carl, Curator
Founders of nao (Normal Architecture Office), and the School of Missing
Studies, Philadelphia
Lost Highway Expedition
Lost Highway Expedition took place during August 2006 through the emerging
capitals of the Western Balkans plotting a route roughly along the
unfinished ‘Highway of Brotherhood and Unity’ as it was called in Yugoslav
times, traveling to the nine cities of Ljubljana, Zagreb, Novi Sad, Belgrade,
Skopje, Prishtina, Tirana, Podgorica, and Sarajevo. The expedition searched
for positive aspects of Balkanization and explored the emerging distinctions
of each new capital city along the highway. Although the country that
this highway was meant to unify no longer exists, the highway infrastructure
remains as a significant reminder of the ideals of voluntary
participation, rebuilding and connectivity. Almost 300 architects, artists,
writers, curators from around Europe, the Western Balkans, and North
and South America participated along the route with partner organizations
in each city in activities ranging from discussions, public art
actions, guided tours, visits to archives, and picnics. lhe navigated the
connections of independent art and architecture projects in the Western Balkan capitals and initiated new ones, avoiding to carry a nostalgic
imperative, but provided fresh opportunities for self-organized, voluntary
participation and relay between the newly-distinct cities.
Srdjan Jovanovic Weiss is a faculty member at the University of Pennsylvania and
has recently collaborated with Herzog & de Meuron architects in Basel. His book
Almost Architecture, published by Merz & Solitude, and kuda.nao addresses architecture
vis-à-vis emerging democratic processes. He is currently renovating Slought
Foundation in Philadelphia and is in design process for Stadium Culture in collaboration
with kuda.org new media centre in Novi Sad to retain public spaces left from socialist
planning and transform them into youth cultural centres. Recent projects include
East Coast Europe (2007-08), Yona Friedman: About Cities (2007) at the Drawing Center,
Evasions of Power conference at University of Pennsylvania and Slought Foundation (2007),
Lost Highway Expedition (2006) and the resulting Lost Highway Expedition Photobook
(2007). Jovanovic Weiss is a PhD candidate at Goldsmiths College, London researching
positive aspect of Balkanization. www.thenao.net
Katherine Carl is an art historian and curator writing her Ph.D on conceptual art of
the sixties and seventies in the former Yugoslavia in the Department of Art History
and Criticism at the State University of New York, Stony Brook. She currently holds a
fellowship from the American Council of Learned Societies. In 2005-2006, she was
curator of Contemporary Exhibitions at The Drawing Center. She worked at Dia Art
Foundation (1999-2003), ArtsLink (1996-1997) and the National Endowment for the
Arts (1991-1995). Carl taught art history and contemporary culture in the Department
of Art at New York University (2002-03). She was curator of Flipside: ArtsLink at Artists
Space (2004) and go_HOME (2001). Recent projects include East Coast Europe (2007-08,
book forthcoming), Yona Friedman: About Cities (2007) at the Drawing Center, Evasions
of Power conference at University of Pennsylvania and Slought Foundation (2007), Lost
Highway Expedition (2006) and the resulting Lost Highway Expedition Photobook (2007).
6:45-7:15 pm | Vangelis Vlahos
Artist, Athens
1981 (Allagi)
1981 (Allagi) is an archival project that tries to examine a specific period
of political and social transition in Greece. 1981 (Allagi) is based on a
newspaper archive of Eleftheros Kosmos (Free World), the official mouthpiece
of the colonels’ regime (1967-1974) that was found in the flea market
of Athens in 2006. The photos included in the project 1981 (Allagi),
covering a total nine-month period, from October 1981 to June 1982, are
presented in alignment and absolute chronological order, with no other
criteria for their selection, depicting current events of political and social
content, as well as images of daily life. The project attempts to approach
the multifaceted notion of change (Allagi), and to examine the social
impact of this concept today. Allagi (change) was promoted in the rhetoric
of the period of the governing socialist party—which first came to powerin 1981, seven years after the fall of the junta—and was connected to
socio-political restructuring and transformations. A period, which socially
and politically has been seen as the end of “metapolitefsi” in Greece
(metapolitefsi is a Greek word that describes the transition period after
the Junta in Greece). The construction of an archive as method of a personal
comprehension of history is a point of interest.
Vangelis Vlahos was born in 1971 in Athens, Greece, where he lives and works. His
solo shows include Structures of Influence, The Borgovico 33, Como, Italy; 1992, The
Breeder, Athens (both in 2007); display galerie, Prague; (with Hito Steyerl), Els Hanappe
Underground, Athens (both in 2004). He participated in In Present Tense, National
Museum of Contemporary Art, Athens, Greece; in Monument to transformation-fragment
#4, INDEX Foundation, Stockholm; Der Prozess, 3rd Prague Biennial; A Number of Worlds
Resembling Our Own, SMART Project Space, Amsterdam; 2006: 27th Sao Paulo Biennale;
2005: Behind Closed Doors, Dundee Centre for Contemporary Arts, Dundee, Scotland; 3rd
berlin biennial for contemporary art and the 2004: Manifesta 5, San Sebastian, Spain.
7.15-7.45 pm| Carla Fernández
Founder of FLORA, Fashion
Designer, Mexico City
Flora is a mobile workshop/fashion-laboratory that travels Mexico visiting
indigenous communities and women co-ops creators of handmade textiles.
Flora has developed a unique pedagogy where workshop participants
communicate through design.
7:45-8:15 pm | Q+A
Saturday, January 26th 2008
Centro Cultural Universitario Tlatelolco
Ricardo Flores Magón 1, Nonoalco-Tlatelolco
Day 3 | What remains (to be done)?
Auditorio Alfonso García Robles
Moderation: Osvaldo Sánchez
Director, Museo de Arte Moderno, Mexico City
At an all time high of global (art) markets, the competition for funding
between private-established and public-run art institutions has a crucial
impact on how institutions are operated. This development influences
the production of art works and what is collected by whom and for
whom. But what is the mandate of cultural “acteurs” and producers today?
What is the role of public art institutions? Whose voice and (his)story do
they represent? What remains (to be done)? We suggest the reconstitution
of space for (political) criticism and public discourse. Osvaldo Sánchez is a curator and art critic. Director of the 4th and 5th internacional
Forum on Contemporary Art Theory (1995-1996) fitac, in Guadalajara, Mexico. Director
of the Museo Carrillo Gil and the Museo de Arte Contemporáneo Internacional Rufino
Tamayo in Mexico City. He has been a columnist specialized in art for the Reforma
newspaper in México D.F., as well as a writer for several specialized publications in
Mexican and Latin-American art. He has been guest professor at the Art Department
in the Universidad Iberoamericana, Mexico. He was Co-Curator for the international
public art project InSite 2000-01,Tijuana- San Diego and Artistic Director of InSite 2005.
He is currently the Director of the Museo de Arte Moderno in Mexico City.
10:00-10.45 am | John Beverley Author and Professor for Latin American Literature, University of Pittsburgh
Keynote
The Neoconservative Turn in Latin American Criticism
Latin American cultural criticism is now facing a neoconservative turn,
which oddly comes from certain traditional Left that defends the ‘aesthetic
value’. This turn is very similar to the neoconservative one in
Modern Art criticism that arose in the usa during the Seventies. A usual
explanation is that the Latin American case is a super-structural reflex of
the effects of globalization and the new social movements on artistic and
literary intellectuals, who try to re-territorialize a form of cultural authority
that was eroded by the hegemony of neo-Liberism. Nonetheless, this
form of action estranged itself from new emerging subordinate and popular
political subjects. Instead of looking for a sort of ‘common front’
between the art world and popular struggles, there is an opposition between avant-garde aesthetics and populist politics, between the artist
and the working subject. John Beverley is Professor of Latin American Literature and Cultural Studies at the
University of Pittsburgh. From 1992 to 2002 he was a coordinator of the Latin American
Subaltern Studies Group. His recent publications include Subalternity and Representation
(1999; Spanish version 2005); Testimonio: On the Politics of Truth (2004); and Hacia un nuevo
latinoamericanismo (forthcoming, 2008). He co-edits the University of Pittsburgh Press
book series Illuminations: Cultural Formations of the Americas.
10:45-11:00 am | Q+A
Panel IV
11:00-11:30 am | Carles Guerra Artist and Curator, Critic, Barcelona
Forms of Participation We Are Dreaming Of
We no longer decide whether we are participants or not. The biopolitical
condition of cultural production makes us feel like a captive audience.
We do participate, whether we like it or not. So, these are my questions:
how can we make a difference? Should we resist the actual forms of participation
we are offered through cultural institutions? Or else, are we
calling for an agency that will finally destroy cultural institutions?
Carles Guerra PhD is Associate Professor of Contemporary Art at the Universitat Pompeu
Fabra, Barcelona. Artist and art critic whose work investigates dialogical aspects of
visual culture he has curated Art & Language in Practice (Fundació Antoni Tàpies, 1999);
Dis-exhibit. A retrospective of Perejaume (macba, 1999); After the News. Postmedia Documentary
Practices (cccb, 2003); The Invisible Insurrection of One Million Minds (Rekalde, 2005);
Situation Cinema. A retrospective of Joaquín Jordá’s films (macba and fid. Marseille, 2006); and
B Zone. On the Margins of Europe (Fundació Antoni Tàpies, 2007). He’s currently preparing a
retrospective of Peter Weiss’ films and This is not an exhibition, a project on art education.
He organized several symposiums: Visual Culture, Politics of Recognition and Education
(1999); Fòrum Quam-00, devoted to new modes of production in contemporary art (2000); and
State of Exception 1972-2004 (2004), a series of presentations discussing aesthetic practices
as models for new modalities of labor. He is a guest lecturer in several museums
and universities. He’s author of a video interview with Antonio Negri, N for Negri (2000) and
edited the Spanish translation of Art & Language’s Writings (2007). He is a member of
the editorial board of Cultura/s-La Vanguardia.
11:30-12:00 am | Gediminas and Nomeda Urbonas
Artists, Vilnius
Pro-test Lab
In 2005, the Gediminas and Nomeda Urbonas commenced an action to
save an important piece of community architecture the Lietuva Cinema
in Vilnius under the aegis of the multi-venue exhibition Populism. That
project, titled Pro-test Lab, has been presented at the 6th Gwangju Art
Biennial in Korea (2006) and was awarded “The Korea Foundation Prize
for the Best International Contribution.” In 2007, the Pro-test Lab Archive
was exhibited in the 2nd Moscow Biennale, and this year’s Venice
Biennale as part of their project Villa Lituania, where the artists received
the Honorable Mention for their Lithuanian Pavilion.
Nomeda & Gediminas Urbonas are artists living and working in Vilnius and studying
the transformation of the society going through a transitional period of changes.
Since 1993 they develop interdisciplinary art programs—a model for social and artistic
practice with the interest to design organizational structures that questions the
relativity of freedom. Their methodology varies from archival research to building
complex works as production sites that often challenges media and sometimes politics.
Their art projects deal with the urban environment, architectural developments,
cultural heritage of the soviet past aiming to reclaim the public space that is currently
under the threat of privatization. They use art platform to render public spaces for
interaction and engagement of the social groups, evoking local communities and
encouraging their cultural and political imagination. Urbonas have exhibited their
works at Documenta11 in Kassel, Manifesta 4 in Frankfurt/Main (both 2002), 3rd berlin
biennial for contemporary art (2004); the 22nd Biennale di Sao Paulo and the 9th Lyon Biennial
(both 2007.)
12:00-12:30 pm | Q+A
12:30-12:45 pm | Coffee break
Panel V
12:45-1:15 pm | Gabriela Rangel
Director of Visual Arts at the Americas Society, New York
Gabriela Rangel, born 1963 in Venezuela, she received her MA in curatorial studies in
contemporary art at the center for Curatorial Studies, Bard College, New York. She has
been a researcher and curator in contemporary art at the Museo Alejandro Otero, Caracas,
Venezuela. She was assistant curator in Latin American Art at the Museum of Fine
Arts, Houston. Currently she is head of the Department of Visual Arts at the Americas
Society, New York and she is a member of the Art Forum at the David Rockefeller
Center for Latin American Studies, Harvard University, Cambridge.
1:15-1:45 pm | Lee Weng Choy
Curator and Artistic Director of Substation Arts Center, Singapore
Crisis and Convening: or, what is it that we want from art conferences?
In July 2006, I gave a presentation at a Biennale of Sydney symposium
panel entitled, Re-enactment and Performance. My presentation itself was
something of a re-enactment—it was a reflection on a workshop and public
forum that I co-convened a month earlier in June in Kuala Lumpur.
Panic Buttons: Crisis, Performance, Rights was convened to discuss the practical
steps which might be taken by artists, activists and intellectuals in
Southeast Asia to better prepare for the crises that periodically erupt
because of controversies in art and culture. The particular session of
Panic Buttons that I facilitated had as its topic, Rites and Reflexion. By rites
I referred to actions and mechanisms that are ritualized and institutionalized.
Rites maintain or sustain a status quo, but need not be intentionally
conservative. Rites also refer, for instance, to the university as an institution
of liberal values. We, the convenors of the KL event, contended
that the responsibility of the intellectual is to attempt to perform something
that goes beyond rites; the term reflexion signifies the possibilities
of intellectual activism—the task and agency of the critical imagination.
Lee Weng Choy is Artistic Co-Director of The Substation arts centre, and currently a
visiting lecturer in the Department of Religious and Cultural Studies at Chinese the
University of Hong Kong. He has lectured on art theory and cultural studies in Singapore
at the LaSalle College of the Arts, the Nanyang Academy of Fine Art, and Temasek
Polytechnic, and has organized a number of international and regional arts conferences,
and curated several exhibitions.Weng Choy has published widely on the topics
of contemporary art, culture and Singapore.
1:45-2:15 pm | Q+A From Monday, January 28th 2008
Exhibition
Schweiz über alles
La Colección Jumex: Nuevas adquisiciones
Curated by Michel Blancsubé
Fundación/Colección Jumex
Free entrance (by appointment only)
Vía Morelos 272, Colonia Santa María Tulpetlac,
Ecatepec, Estado de México CP 55400
T 5775 8188
The exhibition will be open until April 1st |
